De 20 bästa filmerna från 2018

Huvud Filmer Och Tv

År 2018 känns biografen som ett mer värdefullt utrymme än någonsin. Hur många andra platser har vi i världen där vi går för att sitta, i mörkret, med vår uppmärksamhet helt omplacerad på en sak i minst en timme? I själva verket, hur många utrymmen har vi där det finns ett socialt avtal som vi alla lägger bort våra telefoner? Som ett fristad för flykt från oändliga nyhetsflöden är biografen där vi tog vår tillflykt i år. Och tack och lov gjorde vi det, för det var ett fantastiskt filmår.





Efter en noggrann övervägande och het debatt, här är Dazeds 20 favoritfilmer från 2018: från konstnärliga, nyanserade dokumentärer som vidgade våra horisonter, till de storslagna filmerna med fräscha agendor, till Netflix-rom-com som vi såg en miljon gånger. (Tänk på att det här är alla filmer som hade premiär 2018 - vissa kanske inte har fått sin brittiska utgåva ännu, medan andra det gjorde har sin teatersläpp i år med på vår 2017-lista .)

tjugo. KUSAMA - Oändlighet (HEATHER LENZ)

Mental hälsa har aldrig diskuterats så brett i kulturen som nu. Att förstärka detta är Kusama - Infinity, dokumentären som tittar på Yayoi Kusamas liv. Den modiga filmen avslöjade henne livslång kamp med mental hälsa , och hur hon alltid har använt konst som ett sätt att lindra hennes smärta.



Jag älskar den här filmen eftersom den skingrar den torterade konstnärens romantik. I Oändlighet , vi tar en resa med Kusama under de 89 år hon har kämpat med hallucinationer. Filmen visar rollen som konsten spelar i den mänskliga psyken och det faktum att det alltid finns ett sätt att söka hjälp. Det är elektrifierande, inte bara för det sätt på vilket det så komplicerat belyser Kusamas allmänt okända svårigheter, utan också hur djupt det tar dig in i hennes värld som en outsider kvinna av färgkonstnär i ett vitt mansdominerat fält. Regissören Heather Lenz skildrar Kusamas allmänt okända ”förlorade år” med ömhet, som försiktigt låter Kusama erkänna och reflektera över sina självmordsförsök och hennes successiva uppgång från asken. Om det är vår generations kamp att förstöra stigmatiseringen kring mental hälsa Oändlighet är en av våra största kulturella krigare. ( Lexi Manatakis)



19. SVART PANTER (RYAN COOGLER)

Då och då kommer det ett arbete som slår in i ett socialt humör och blir en rörelse. Skildrar en futuristisk syn på ett fiktivt Afrika som aldrig koloniserades, Svart panter gjorde just det i januari, som Wakanda och dess hälsning blev en symbol för solidaritet för diasporan över hela världen.



Ingen kunde ha förutsagt att Disney skulle kunna kalla Londons panafrikanska coola barn och förena dem över en fiktiv representation av moderlandet, men det gjorde det. Vid premiären i London Svart panter flyttade svarta människor att klä sig i kulturella kläder; det fanns nigerianer gul (huvudomslag), ghanesisk kente-tyg och några som gjorde sig upp för att se ut som afrikanska kungligheter a la Kommer till Amerika . I en tid då det kändes som de enda bilderna av svarta människor var de av smärta, protest, fattigdom, som skurkar eller offer, Svart panter var lugnande flykt. En stark höjdpunkt var det häftiga skrattet som bröt ut från svarta människor efter Letitia Wrights linje, Skräm mig inte så, koloniserare. För du vet att imperialismen knullade Afrika. Ja, Svart panter var en Marvel superhjältefilm. Men vikten av det ligger i vem som får se sig själv som heroisk, snarare än att vara underdog. ( Kemi Alemoru)

18. ENKOR (STEVE MCQUEEN)

En snygg och sofistikerad heist-thriller för alla tider, Steve McQueens Änkor upphöjer genren till inspirerat nytt territorium. Baserat på början av 90-talets miniserie med samma namn, tränar filmen sitt orubbliga öga på fyra kvinnor som har förlorat sina män till samma brott, och som måste betala sina utestående skulder till en fruktansvärd borgenär. Veronica (Viola Davis) samlar det här rag-tag-besättningen av kvinnor för att samlas för att slutföra en sista rån, upptäckt planerad till perfektion i tidskrifterna som lämnats av hennes döda make, Harry (Liam Neeson).



Det som följer är ett galvaniserande äventyr in i magen av tjänstemän med fyra krigare med fyra amatörer som var och en drivs av sina individuella omständigheter och var och en utan något att förlora. Gillian Flynns manus - hennes bästa sedan Borta tjejen - väver kraftigt socioekonomiska teman i berättelsen, vilket ger en häftning till berättelsen som ger extra relevans, tillsammans med den reviderade inställningen på Chicagos södra sida. Det är en riktig hjärttävling med plotvridningar som faktiskt lyckas chocka, liksom en förföriskt konstnärlig filmbit. McQueen fortsätter sin körning som en av de största samtida filmskapare som arbetar i bio idag. (Patrik Sandberg)

a-lista spetshår

17. MCQUEEN (IAN BONHÔTE, PETER ETTEDGUI)

Om du, som jag, inte hade en främre (eller andra eller tredje) rad till någon av Alexander McQueens ofta viscerala, ibland obekväma, men aldrig, någonsin tråkiga landningsbanor, det mesta du har sett av dem är troligtvis via YouTube som man tittar på på den lilla skärmen - naturligtvis inte som de någonsin borde ses, men behöver uppenbarligen måste. I år dock Mcqueen förändrat allt detta. Peter Ettedgui och Ian Bonhotes känsliga och vackert realiserade film gav oss inte bara en inblick i livet för en av modets största (och mest 'riktiga') designers, det tog också några av hans mest levande, innovativa kollektioner - inklusive Highland våldtäkt , Dish's Atlantis och Voss - och sprängde upp dem till aldrig tidigare sett proportioner, vilket, i kombination med arkiv, uppriktig film och personliga konton från dem som kände och älskade honom, resulterar i en verkligt känslomässig, ibland överväldigande visuell upplevelse som belyser exakt varför han är så missad. Ha vävnaderna redo. ( Emma Davidson)

16. KALLA KRIGET (PAWEŁ PAWLIKOWSKI)

Paweł Pawlikowskis Kalla kriget är genast ett starkt estetiskt uttalande, en kärleksfull familjär hyllning och en hjärtskärande romantik som slår med sällsynt inverkan. Inspirerad av regissörens föräldrars erfarenhet jagar filmen två stjärnkorsade älskare över hela efterkrigstidens Europa - landsbygdens Polen, Östberlin, böhmiska Paris, Jugoslavien - när de faller ihop och tillbaka tillsammans och kämpar för att skapa liv för sig själva som arbetande musiker.

Filmfotograf Lukas Zal skapar hisnande komposition från de polska arkitektoniska ruinerna till jazzklubbarna i Paris. Den svartvita 4x3-ramen ger en stiliserad känsla av inneslutning till den växande flytningen av en romantik som hotar att flyga från rälsen när som helst. Tomasz Kot ger en känsla av stark, tyst tyngdkraft till rollen som Wiktor, och Joanna Kulig ger en stjärnframträdande roll som Zula, som lyfter polska folksånger till popmusikens rike när hon börjar sin inspelningskarriär och finner befrielse i rökiga klubbar i Paris - en scen av hennes dans till Bill Haleys 'Rock Around The Clock' är avsedd för celluloid odödlighet. Under ett år som spricker med spännande film berör ingenting glamouren och romantiken hos den här. (Patrik Sandberg)

femton. SHAKEDOWN (LEILAH WEINRAUB)

Välkommen till Shakedown. En svart lesbisk strippklubb i början av 2000-talet LA, är klubbkvällen föremål för Leilah Weinraub's disiga, VHS-teetiska paean till en aldrig diskuterad subkultur det var en livsviktig livräddning efter timmar för queer kvinnor i färg i staden. Weinraub arbetade där som en 'videodame', år innan hennes senare karriär som VD och grundare av Hood by Air. I dokumentären samlar hon in lo-fi-filmen hon sköt vid den tiden och berättar historierna om kvinnorna som uppträdde där, livskrafter som Egypten och Jazmine, och nattens grundare, Ronnie-Ron. Under hela tiden svävar polisen och andra, mindre specifika gentrifikationskrafter: medan du tittar på låter det olycksbådande ljudspåret och kapitelliknande framsteg veta att detta inte är ett ögonblick som kommer att vara för evigt.

Shakedown sprängde mig på februarifestivalen Berlinale, särskilt i samband med några andra filmer som visas där. Däremot slog det dig ännu hårdare hur filmskärmar så ofta spelar värd för samma ämnen om och om igen. Weinraubs största triumf? Gör plats för hennes queer, svarta superstjärnor i samtida konstgallerier och teatrar över hela världen. (Claire Marie Healy)

14. andnöd (LUCA GUADAGNINO)

andfåddhet är den nya blå / guldklänningen - ingen online kan komma överens om den. Vilket är ingen överraskning, egentligen. Uppenbarligen en ny version av Dario Argentos giallo från 1977, Luca Guadagnino andfåddhet är ironiskt nog en av årets mest originella skräckfilmer. Det är en kylande kombination av trolldans, kallkrigspolitik och psykoseksuell intriger. Det finns inget försök att bli en vanlig publik-pleaser: den stumma färgpaletten dränerar medvetet, Thom Yorkes soundtrack ligger i motsatta änden av Creep, och där du förväntar dig en actionuppställning smyger den in i en historielektion.

Ändå ser du fortfarande det nya andfåddhet genom prismen i Argentos film och slutar lämna biografen slagen av hur det avviker från källmaterialet . I det avseendet, andfåddhet är som jazz av två skäl: det handlar om tonerna Guadagnino inte spela, och den som är snabb att avvisa det är helt fel. Det är ett kärleksarbete där alla produktionsdetaljer är värda att överanalysera (även titelteckensnittet designades av killen som ansvarade för Stjärnornas krig öppningsrulle), och det förtjänar en liknande kultstatus som den som Argentos original ger - och för den delen, Ring mig efter ditt namn . (Nick Chen)

13 . MADELINE'S MADELINE (JOSEPHINE DECKER)

Helena Howard som en katt, som spottar och slickar och väsar, måste vara det mest minnesvärda uttrycket för ungdomens ångest - oavsett öppningsscen - av film 2018. Bara 18 vid inspelningstidpunkten är nykomlingen (och Dazed coverstjärna) Howard det oemotståndliga centrum för regissören Josephine Deckers berättelse om det oroliga tonåriga skådespelet, Madeline. Det finns också Madelines tålmodiga mamma, spelad av Miranda July, och den experimentella teaterregissören vars avsikter för Madeline i bästa fall verkar hjälpa henne att genomgå sina problem på scenen och i värsta fall att utnyttja tonåringens dåliga psykiska hälsa för hennes egen fördel (Molly Parker).

Madeline's Madeline hade en väldigt konstig födelse - en film om experimentell teater som själv uppstod från en serie utforskande teaterseminarier - och länge saknade den tomt eller manus. Howard själv var projektets drivkraft - som hon avslöjade i sin berättelse om hösten 2018 kommer det ursprungligen att bli en berättelse om mitt liv. Om allt detta låter alltför komplicerat är det inte: Decker har lyckats skapa en absurd film om pretentiösa människor, genom möjligen pretentiösa medel, och resultatet är det mest respektfulla, galvaniserande, searing ärliga uttrycket för den unga generationens ångest på skärmen som jag har sett på mycket länge. (Claire Marie Healy)

12. MATANGI / MAYA / M.I.A. (STEPHEN LOVERIDGE)

Steven Loveridges långa försenade dokumentär om den brittisk-tamilska stjärnan delar sig snyggt i två halvor. I den första, en pre-fame M.I.A. försöker förstå hennes hybridkulturella identitet på en resa till sitt hemland Sri Lanka, fångad på kamera av musiken i sina dagar som en blivande filmskapare. I det andra återbesöker vi de rasande debatterade flampunkterna - Truffle-gate! Madonna-gate! Född fri! - som såg hennes karriär bli fast i kontroverser.

Båda dessa halvor ställer sökande och i rätt tid frågor om ras, klass och privilegium i en bransch som för närvarande gör mycket själsundersökning på alla ovanstående, och om MATANGI / MAYA / M.I.A. ibland missar den viscerala stansen av M.I.A.s tidiga musik som ett resultat, det är värt det för en film som ärligt behandlar en sångare vars talanger ofta har uppsåtligen misstolkats. Genom att visa de röriga mänskliga verkligheterna i hjärtat av hennes arbete, MATANGI / MAYA / M.I.A. är en viktig, i tid registrerad av en av de största popstjärnorna som detta land har producerat . (Alex Denney)

vad är det bästa lätta ölet

elva. TORGET (RUBEN ӦSTLUND)

Ruben Östlund handlar uteslutande i det otäcka. 2014 Force majeure är ett upprörande, lustigt drama om en kärnfamilj som faller samman i kölvattnet av en fars feghet mot en lavin, och hans senaste film Torget spelar i lika vardagliga men bördiga mark: konstvärlden.

Med Claes Bang i huvudrollen som den självbesatta, helt fulla kurator, Torget är ett spikbitande mord på den exklusivitet, pretention och kliché som infekterar konstgallerier. Den presenterar - utan tvekan - årets scen när Terry Notary (rörelseinstruktör på Apans planet ) skrämmer en välbärgad publik vid en utställning som öppnar med en performance-konst som svänger för långt in i verkligheten för gästerna att ta.

Det finns en utsökt ironi i Östlunds mästerverk som vann Palme D'Or, och det är ett resultat han hoppades på. Sekvensen med Terry Notary gjordes med målet att ha vår premiär i Cannes, sa han till Dazed . Alla i Cannes var klädda som folket på skärmen, minns Bang. Du kunde verkligen känna obehaget i rummet. (Thomas Gorton)

10. FELUTDANNINGEN AV CAMERON POST (DESIREE AKHAVAN)

Baserat på Emily Danforths roman med samma namn, Desiree Akhavans Sundance-vinnande The Miseducation Of Cameron Post är en sakkunnigt producerat åldrande porträtt det är meningsfullt, rörande, roligt och tragiskt på en gång. Cameron (spelad av Chloë Grace Moretz) tvingas av sin vårdnadshavare att underteckna sig själv i omvandlingsläger Guds löfte - en plats som hon nu inte kan lämna utan godkännande av centrets andliga ledare. aerobics-lektioner och karaokekvällar. Det är inte så annorlunda från ett typiskt amerikanskt sommarläger - bara det här lägret har obligatoriska gruppterapisessioner, en-mot-en andlig rådgivning och undermedvetna 'isberg' där invånarna måste notera alla traumor som har lett till deras 'samma- könsförvrängning '.

Det är en obestridligt queer film, men Felundervisning har också ett brett överklagande - i samband med omvandlingsterapi för gay handlar det verkligen om något som känns universellt av tonåringar som är på väg mot vuxenlivet. Något om sig själva är inte helt rätt, något är trasigt, något behöver korrigera eller förbättras på något sätt. Det uppdraget, att berätta en autentisk historia om tonåren, eftertänksamt och med hjärta, är det som gör The Miseducation Of Cameron Post en av årets mest övertygande filmer. (Thomas Adam Curry)

9. BRINNANDE (LEE CHANG-DONG)

Ett existentiellt drama, en svart komedi, ett mord-mysterium, en dömd kärlekstriangel, en artouse Borta tjejen . Det här är bara en handfull sätt att beskriva Lee Chang-dong Sin mästerliga, absorberande thriller, Brinnande . Filmen är svår att fastställa, liksom dess minimala plot - för långa sektioner är du grep , även om det är svårt att säga om någonting händer alls. Att föra bränsle till elden är historiens universalitet: unga människor rasande på en orättvis värld, ökande arbetslöshet, låga löner och frånvaron av en uppenbar, konkret lösning.

I centrum står Yong-su, en frustrerad, arbetslös romanförfattare som klagar. Det finns för många Gatsbys i Korea. Så även om Brinnande är officiellt en Haruki Murakami-anpassning, det är lika mycket en riff på F. Scott Fitzgerald. Om Yong-su är Nick är hans Gatsby Ben ( Steven Yeun ), en gäspande miljonär och möjlig brandman; och Haemi är Daisy, en nästan vänlös engima vars röst är full av depression. Men den centrala danssekvensen är en ren uppfinning från Lee Chang-dongs sida: Haemi röker ogräs, förlorar alla sociala hämningar och avlägsnar sig utomhus, hennes silhuett svänger under den magiska timmen. Du avundar hennes frihet - tills hon stannar och tårar. (Nick Chen)

8. TILL ALLA POJKAR JAG ÄLSKADE FÖRE (SUSAN JOHNSON)

I år har jag gjort det ganska tydligt Jag är kär i den här filmen . Tillsammans med Crazy Rich Asians - den första allasiatiska Hollywood-filmen på 25 år - Netflix anpassning av Jenny Han bästsäljande roman för unga vuxna Till alla pojkar jag har älskat tidigare var 2018: s lugnande balsam mot 2017 års huvudvärk vitkalkande kontroverser . Och medan jag verkligen gillade Crazy Rich Asians i all sin spännande miljardär-pojkvän-fantasy-mode-ära, kraften att se asiatisk-amerikansk skådespelerska Lana Condor som Lara Jean Song Covey, som navigerar på höga och låga nivåer i gymnasieskolan, resonerade på en annan (mer relatabel) nivå.

Att slå alla bekanta slag av en tonåring-rom-com, Till alla pojkar ... gav mig äntligen - och alla andra asiatiska tjejer med bindestreck där ute - tillfredsställelsen att inte längre se oss själva rasistisk stereotyp sidekaraktär , men som Molly Ringwald av en John Hughes-esque film. Slutligen är vi värda samma typ av svimning, tonårskärlek som spelas i fotbolls-kyssar med populära pojkar, okapriska skolresor, hemliga anteckningar passerade i klassen och händer i bakfickor som amerikanska vita tjejer har haft i filmer i årtionden. Till alla pojkar ... är den teen-rom-com som jag tillbringade min tonåring och önskar, och det är bättre än aldrig.

Åtminstone 2018 har filmen de extra fördelarna med en stor, Blood Orange-inkluderande soundtrack och sociala mediereaktioner som bevisar att alla Hollywood-ledare (inklusive de författare Jenny Han var tvungna att kämpa för att behålla Lara Jean's kanonasiatiska-amerikanska arv) borde avsätta alla betänkligheter de någonsin haft om att kasta en asiat som en romantisk ledare. Från Twitter memes till Halloween kostymer , kärleken till Till alla pojkar ... (och mer representativa rom-com i allmänhet) är tydlig. För sin del verkar de befogenheter som lyssnar en gång, med en uppföljare bekräftad att vara på gång. Fram till dess tror du bäst att jag kommer att spela om den här filmen varje gång jag behöver en hälsosam måndag hämta mig. (Vanessa Hsieh)

7. BLACKKKLANSMAN (SPIKE LEE)

Utan att veta något annat om handlingen, när trailern för BlacKkKlansman tappade och visade att en svart man infiltrerar KKK med hjälp av en judisk allierad såldes jag. Särskilt när det avslöjades att det (löst) var baserat på en riktig polisoperation som hände i Colorado Springs på 70-talet.

Med ett manus från Gå ut Jordan Peele och Spike Lee vid rodret som regissör, BlacKkKlansman är en så politisk film som den är hysterisk. Det fanns några begripliga förbehåll för dess intrig - hade filmen råd att tilldela hjälteberättelsen till ett par poliser och en mestadels vit polisavdelning i detta nuvarande politiska klimat? Borde det inte ha grävt djupare in i det obekvämt nära förhållande polisavdelningarna hade med vita nationalister? Ändå passar det snyggt in i klassen 2018-filmer som är en respektlös ansats för dagens sociala problem. Vid sitt oroväckande slut finns det dock inget utrymme för tvivel om att detta är en film som syftar till att på allvar ta itu med hotet om vit överhöghet. (Kemi Alemoru)

6. ÅTTONDE KLASS (BO BURNHAM)

Även någon vars uppmärksamhet har ruttnat av sociala medier kommer att hitta Åttonde klass uppslukande från början till slut . Den empatiska åldrande filmen börjar med Kayla, en 13-årig vlogger, som delar ut livsråd till sina YouTube-prenumeranter. Hon föreslår att allt kommer att ordna sig om du bara är dig själv och loggar sedan av med hennes slagord: Gucci! Men IRL, Kayla har inga vänner, inga tittare och - mest upprörande av allt - inget självförtroende. I en genre befolkad med sitcom-y, smart-cracking tonåringar, här är en film som faktiskt får, bland många saker, den vardagliga ångest ungdomar.

socker baby första dejten outfit

Det är inte att säga Åttonde klass är inte roligt. Det är det och ofta. Den är skriven och regisserad av Bo Burnham , en komiker som, till skillnad från Kayla, blev en viral sensation vid 16. Hans framtid är dock tydligt inom filmskapande. Det finns ingen plot i sig, men varje social interaktion känns som ett liv-eller-död-scenario. Jag skojar inte: scenen där Kayla deltar i ett populärt barnpoolparty är mer spikande än klimaxet på Ärftlig . Du kommer att krypa extremt hårt vid relatabla stunder och sedan hitta katarsis från att bevittna att det händer någon annan. Gucci! (Nick Chen)

5. THE HATE U GIVE (GEORGE TILLMAN JR.)

Det har varit ett återkommande tema i bio i år av kraften i röster. Ledsen att besvära dig och BlackKklansman båda utforskade fenomenet med den vita rösten. Men vad gör The Hate U Give sticker ut från resten är att det inte handlar om att assimilera, härma eller interpolera en röst för att komma dit du behöver - det handlar om att lära dig att hitta din egen. Det följer en tjej som heter Starr, som ser hur hennes vän brutalt mördas av polisen. Hon porträtteras av Amandla Stenberg, som gör ett utmärkt jobb för att kommunicera spänningen mellan hennes två olika existenser när hon försöker göra sig välsmakande för både hennes mycket vita skola och hennes majoritet svarta grannskap. GANGSTER packar upp rasrättvisa mot bakgrund av en tonårings svåra val: antingen att försöka passa in eller att resa sig upp. I en tid då tittarna behöver lära sig att navigera i det mycket verkliga hotet med vit överhöghet är det mycket viktigt att se den här typen av berättelser på storskärmen. (Kemi Alemoru)

Fyra. ISLE OF HUNDS (WES ANDERSON)

Om du någonsin har ägt ett loppskyddat husdjur, en Blu-Ray DVD av Rushmore , eller en önskan att se Jeff Goldblum rösta en skvallrande husky, då Isle of Dogs skulle alltid vara för dig. Men det japanska animerade äventyret är särskilt invecklat och esoteriskt - även för Wes Andersons höga krav. En (doggy) behandling för ögonen och öronen, Andersons deadpan-komedi är, om något, överväldigande: varje elegant ram är fylld med skämt, de håriga dockorna är kärleksfullt konstruerade och stop-motion-bilderna är sömlöst integrerade med hand- ritade illustrationer. Fantastisk Mr Fox ser lat ut i jämförelse.

Dessutom har filmen en av de mest eklektiska, stjärnbelagda rollerna i det senaste minnet. Tillsammans med Goldblum finns det Bill Murray, Greta Gerwig, ScarJo, Yoko Ono och Tilda Swinton. (Och Anjelica Huston som en stum pudel, inte för att hon skäller mycket.) Sammantaget kan du skriva en uppsats om vilket ögonblick som helst i den här filmen som valts slumpmässigt. Men låt oss markera årets matplats: en kock som förbereder sushi med giftig wasabi för att mörda en professor. Sekvensen är saliverande, hypnotisk och lämnar dig villig att dö för en fiktiv fiskrätt som förmodligen är gjord av plast. (Nick Chen)

Frank Ocean oändligt visuellt album

3. HALE-LANDET I MORGON, DENNA KVEL (RAMELL ROSS)

Vad är banan för våra drömmar? Det är en fråga som flyter på skärmen under de första minuterna av Hale County i morse, denna kväll , regissör RaMell Ross S ömma porträtt av ett län i Alabama. Det är en fråga som fortsätter att skramla runt dig när scenerna utvecklas - långa, milda vignetter som visar potentialen som finns inom begränsningar. Ett barn springer fram och tillbaka i sitt vardagsrum med fokus och beslutsamhet hos någon som sprintar ett maraton. En basketspelare skjuter obevekligt banden ensam. En man bränner däck i skogen, och Ross vänder kameran mot den böljande röken, som skärs igenom med skivor av solsken.

Ross flyttade till Hale County 2009 för att undervisa basket och fotografi och började filma det svarta samhället där - i synnerhet två unga män som heter Daniel och Quincy - strax efteråt. Hans behandling av alla i filmen är naturalistisk och varm, hans närbilder drar betraktarens ögon till magnetiska detaljer (en dribb av saliv rullar ner i en babys mage; en mor formar långsamt och försiktigt sin dotters hår). Vi är konditionerade bort från instinktiv existens, Sa Ross i en intervju nyligen . Det finns mycket brist på inre utseende i svart kultur eller svart film eftersom de flesta har tittat utifrån. Folk säger till mig: ”Åh, filmen är så vacker! Kan du ge mig råd om, som hur pratar jag med människor för att skjuta med det här ögat? ”Och jag har varit, för att vara ärlig mot dig, så ser jag bara Hale County och mina vänner. Om jag hade några råd till dig, skulle det bara vara att ge människor i dessa samhällen kameror och sedan berätta för dem om traditionella sätt att se på, och de skulle göra samma sak. Det är inte raketvetenskap alls.

I en tid med reduktiva, brådskande clickbait-berättelser pratar vi mycket om vår kulturs relation med nyans. Hur berättar vi historier på ett sätt som verkligen visar och värderar människans fullhet? Hale County är ett svar och en motgift; i sin långsamma, känsliga rörelse, sitt naturliga sätt att se och hur det färgar motivet utanför linjerna är det den mest mänskliga filmen från 2018. (Aimee Cliff)

två. SORRY TO BOTHER YOU (BOOTS RILEY)

År 2012 släppte The Coup sitt femte album, Ledsen att besvära dig . Hiphopgruppens frontman, Stövlar Riley , avsedd för skivan för att trumma upp intresset för hans då oproducerade manus. Så bry dig inte om den fördröjda brittiska utgåvan - här är en film som Riley har pratat med länge. Vid eftertanke är det bra tid. Riley gräver inte bara in i viktiga teman som kodväxling, konstnärernas ansvar och fallgropar för kapitalismen , men han paketerar dessa konversationsstartare till en vilt fantasifull popcornfilm. De lekfulla bilderna är omtyckta av Michel Gondry, universum förverkligas nog för att inkludera sina egna fiktiva TV-kanaler, och allt är förvånansvärt informativt om insatser och unionsföreningar.

Dessutom, Ledsen att besvära dig undviker enkel kategorisering. Den publicerade kroken - Lakeith Stanfield implementerar en vit röst för att främja sin karriär - repar knappt ytan. Genrevis är det en subversiv sammanslagning av sci-fi-komedi, arbetsplatspolitik, kroppsskräck och social satire. Framför allt är det dock bara underhållande, och jag kan se mig själv titta på det i många år framöver. Dessutom förtjänar Armie Hammer, som den skurkfulla VD för Worry Free, en Oscar för hans ensam kokain. (Nick Chen)

1. ÄRFTLIG (ARI ASTER)

(Ari Aster) sa en gång till mig: ”Jag har all denna sjukdom inuti mig och jag vill lägga den på alla andra”, säger Ärftlig stjärnan Alex Wolff i ett YouTube-klipp pekar på magen. Trots detta var Asters regidebut aldrig tänkt att ses som en skräck - åtminstone i klassisk mening. Han växte upp på filmer som Ang Lee Isstormen och Kocken, tjuven, hans fru och hennes älskare , berättelser om familjesvik och maktkamp mitt i en orkan av trauma.

Sjukan vid regissörens mage hade stagit ett tag. New York-auteurns 2011-kort The Strange Thing About The Johnsons följer ett incestöst far-son-förhållande till mord. I Munchausen , två år senare zoomade Aster in på namnesjukdom, där föräldrar förfalskar sjukdomar hos sina barn för uppmärksamhet.

Magisk realism för Lars von Trier-generationen, Ärftlig är en kavernös anti-saga om en amerikansk familj som var dömd århundraden innan de föddes. Det förvandlar en inhemsk lek till en meditation på orsak och verkan; en meditation om orsak och verkan till ett drama om sorg; och ett drama om sorg till ett blodbad som orkestrerats av djävulen.

Dess ondska är Wolff, en hemsökt tonåring som felaktigt utlöser en crescendo av kreativa fasor som Hieronymus Bosch skulle vara stolt över. Med Colin Stetsons purgatorial jazzpartitur, Toni Collettes turné-de-gore som sin omöjda mamma, och en knivskarp redigering, Ärftlig är ond till benet. Det är det sällsynta mästerverket i en skräckfilm som gör dig mycket mer rädd för dina egna demoner än sådana som kan föreställas. (Jack Mills)