Historien om Keith Haring, som berättas genom hans ikoniska konstverk

Historien om Keith Haring, som berättas genom hans ikoniska konstverk

Nästan tre decennier sedan hans alltför tidiga bortgång 1990 från aidsrelaterade komplikationer får Keith Harings arbete en stor retrospektiv på Storbritanniens Tate Liverpool . Curated av Tates Darren Pih och Tamar Hemmes, visar utställningen mer än 85 av Harings verk, och lyser in på hans enorma arkiv och exponentiella arbetsetik. Det finns så många influenser på Haring som folk inte känner till, särskilt människor som bara känner till de mycket ikoniska som 'Radiant Baby' och 'Barking Dogs', säger Hemmes. Att se påverkan av klubb- och hiphopscenen i New York på 1980-talet, den livliga gatukulturen, men också effekterna av det politiska sammanhanget. Att också kunna se de primära materialen han använde, samt fotografier och video, kommer att ge människor en mycket rikare bild av hur Harings praxis var.

På tal om varför Harings verk är så relevanta idag, tillägger Hemmes: Jag tror att eftersom hans bilder är så tillgängliga är det något som har stannat i människors medvetande. Människor kommer att se ”Radiant Baby” och omedelbart veta vad det är även om de kanske inte kan ansluta namnet till det. När det gäller varför han får dragkraft igen idag drar Hemmes paralleller mellan Harings tid och vårt nuvarande klimat. Han pratade om frågor som fortfarande är så relevanta idag, förklarar hon. Båda frågorna kring rasism, jämställdhet, men också Aids, som uppenbarligen inte är en historisk fråga, det påverkar fortfarande människor mycket idag. På ett sätt har du alltid en period där människor behöver lite avstånd, men just nu är saker förmodligen lika politiskt turbulenta som de var på 1980-talet i New York, och jag tror att det här är verk som människor kan ansluta till på en ny nivå.

Utställningen öppnar Harings verk för en ny generation för att göra den ny mening, decennier efter att han slutfört sitt senaste arbete. För Haring var hans arbete inte färdigt förrän personen som tittade på det uppfattade det på sitt eget sätt eller skapade sin egen förståelse för arbetet. Han ville inte bara sätta mening på sitt arbete och säga: ”det är bara sättet du kan förstå det”. Han ville att människor skulle ha den interaktionen med själva verken.

Haring föddes i Pennsylvania den 4 maj 1958 till föräldrarna Joan och Allen, den äldsta till tre systrar. Lärde sig rita från en ung ålder av sin far, en angelägen tecknad film, och hans visuella folkmiljö påverkades starkt av tidens sociala, kulturella och politiska miljö - från rymdloppet till Dr Seuss och framstegen inom datateknik. När han flyttade till New York 1978 för att studera vid School of Visual Arts (SVA) blev han vän med framtida ikoner som Jean-Michel Basquiat, Madonna och Kenny Sharf, och hittade ett nytt hem bland de blomstrande konst- och svängande klubbscenerna. . Han var vördad för sin önskan att göra konsten tillgänglig för alla, antingen genom sin nu kända Tunnelbana ritningar på New Yorks tågvagnar, protestaffischer som han gjorde och delade ut vid Aids-möten och anti-kärnkraftsdemonstrationer, målade kroppen av Grace Jones för hennes elektriska föreställningar, eller hans många offentliga väggmålningar och konstverk. Minns som en extremt generös person, hans önskan att ge tillbaka till de mindre lyckliga har fortsatt efter hans död genom arbetet med Keith Haring Foundation, som inrättades 1989 för att skydda hans arv men också för att ge bilder och finansiering till aids och barns välgörenhet över hela världen.

Med utställningen som öppnade den här veckan (14 juni - 10 november) i Tate Liverpool bad vi Hemmes att koppla samman kontexten i Harings liv till några av hans viktigaste konstverk som visas.

UNTITLED (1983): HANS BARN OCH BILDNINGEN AV HANS VISUELLA SPRÅK

Untitled (1983). Vinylfärg på presenning 3068 x 3020 mm. Samlingav KAWS© KeithHaring Foundation

Haring var ett barn av sin tid. Han växte upp i Amerika på 60-talet, han var den första generationen av rymdåldern, han växte upp vid en tidpunkt då viktiga händelser som månlandningen sändes på TV och han kallade sig ett barn i atomåldern. Han växte också upp i bakgrunden av protester, rasupplopp och andra politiska frågor, och så hade han en viss medvetenhet från en mycket ung ålder. Han kände att hans språk bestämdes av den värld han bodde i, vilket du verkligen kan se på hans visuella språk; de flygande tefaten, datorskärmarna, kärnkraftsymbolerna.

Ibland ersatte han huvudet på sina figurer med en datorskärm, som kan tolkas på olika sätt. Men det jag tycker är så intressant är att 1978, så tidigt innan datorer var något som många använde, eller var medvetna om på det sättet, sa Haring att vi hade slutat utvecklas och tekniken tog över - att denna teknik vi hade skapat skulle ta över. Det är så intressant när du relaterar det till den diskussion som pågår nu om artificiell intelligens, där det finns denna rädsla för vad teknik kommer att göra. Det faktum att han hade dessa tankar för 40 år sedan är verkligen otroligt.

Harings far var en ivrig låda och han lärde Haring att rita från riktigt ung ålder, och han uppmuntrade honom att använda sin egen fantasi. Haring var intresserad av Disney och Dr Seuss, och så ser du den typen av element i hans arbete. Han var mycket intresserad av serier, som du kan se i den svarta gränsen som han skapade runt sina teckningar.

DE SUBWAY RITNINGAR (1980-1985): DE TIDIGA DAGARNA OCH NEW YORK SUBWAY

Keith Haring i tunnelbana av Tseng Kwong Chi, (New York),omkring 1983Foto © Muna Tseng Dance Projects, Inc. Konst © KeithHaring Foundation

Haring ville prata med en varierad publik, så han började skapa konst på tunnelbanan 1980 och fortsatte i fem år. Han skapade bokstavligen tusentals av dem och hade ett otroligt varierat utbud av människor som pendlade till och från jobbet varje dag som inte bara mötte arbetet utan också Haring skapade arbetet. Så det fanns en performativ aspekt av hur han gjorde arbetet och han tyckte verkligen om den dialog som dessa tunnelbaneteckningar tillät honom att ha.

Han inspirerades av graffitiscenen vid den tiden, och många graffitikonstnärer taggade och sprutmålade på tunnelbanebilarna, men han ville inte bara kopiera vad de gjorde - det var deras sak att göra. Men medan han åkte på tunnelbanan såg han dessa svarta papper som täckte gamla annonser och något klickade bara för honom. Han kände att han kunde använda dem mycket snabbt för att skapa sitt konstverk, så han sprang uppför trappan, fick lite krita och började rita (på dem). Han skulle göra upp till 40 av dessa ritningar om dagen.

Han kände att konstvärlden på många sätt var för elitistisk. Han såg en publik ignoreras - Tamar Hemmes

michael jackson janet jackson video

Vid någon tidpunkt började folk klippa teckningarna ur sina ramar eller bara ta ramarna helt, vilket stred mot Harings idé bakom den (att den var tillgänglig för alla). Så han slutade göra tunnelbaneteckningar och ett år senare öppnade han sin Pop Shop. Pop Shop var en ny iteration av att skapa konst som var öppen för alla, det var en butik där han sålde varor till mycket överkomliga priser, och så återigen denna idé att alla kunde ha en bit av hans konst.

I den här bilden ser du Haring sitta på tunnelbanan (New York). Men genom de öppna dörrarna ser du också en av hans ritningar i bakgrunden. Det är denna fantastiska svartvita bild som tagits av Tseng Kwong Chi som fotograferade mycket av Harings arbete och många av hans tunnelbaneteckningar. Den här bilden pekar verkligen, särskilt med hans tunnelbaneteckningar, på hans filosofi att han skapade konst tillgänglig för alla. Han kände att konstvärlden på många sätt var för elitistisk. Han såg en publik ignoreras, men det var inte publiken som var okunnig - publiken är öppen för konst när konsten är öppen för den, och jag tror att det verkligen är nyckeln till mycket av detta arbete.

PROTEST FLYERS OCH EPEEMERA: HAN ANVÄNDA HANS KONST FÖR ANDRA BRA

Keith Haring delar ut No Nuke-affischer på ett No Nuke Rally, Central Park, NYC 12Juni 1982© Joseph Szkodzinski 2018, www.thefoundimage.com © KeithHaring Foundation

Jag vet inte om Haring nödvändigtvis kallade sig en aktivist i det specifika ordet, men han såg sig själv som en talesman och han använde sin plattform för att diskutera frågor som han tyckte var viktiga. Det gjorde han verkligen både genom sina teckningar och sina målningar. Men han skapade också ett stort antal affischer som tog upp socialpolitiska frågor, vilket är vad du kan se på det här fotografiet. Han skulle designa affischer men han skulle också skriva ut tusentals exemplar och ge ut dem vid demonstrationer, så han var mycket aktiv i den meningen. Detta fotografi är från en anti-kärnkraftsprotest i Central Park 1982 där han gav ut 20 000 affischer tillsammans med sina vänner. Han använde inte bara dessa politiska ämnen för att informera ämnet om sitt arbete, utan han gick aktivt ut på gatorna. Han greps också vid protester vid vissa tillfällen, så han var i hög grad en aktivist i den meningen.

Det var inte mycket av en distinkt linje mellan (hans konstverk och hans efemeraverk). Uppenbarligen tjänade de lite olika syften, men jag tror att Haring snabbt insåg att hans ikoniska visuella språk var ganska tillgängligt och ett mycket bra sätt att leverera vissa meddelanden och ha dialoger med människor.

GRACE JONES MÅLADES AV KEITH (1986): CLUBBING VAR INTE BARA LIVSSTIL, DET VAR SITT LIV

Grace målas av Keith 1986, fotograferad av Andy Warhol, gelatinsilvertryck på papper och tråd 695 x805 mm© 2018 The Andy Warhol Foundation for Visual Arts, Inc. / Artists Right Society (ARS), New York ochDACS, London

Klubbscenen var viktig, inte bara för hans arbete utan för hans liv. Haring kom till New York 1978 och började snabbt gå till Club 57, en nattklubb, som var den typ av plats där han träffade många artister och artister som blev en del av hans sociala kretsar, till exempel Madonna. Men samtidigt började han organisera uppförandekvällar och kuraterade arbete av sina kamrater. Det var en mycket kreativ, konstnärlig scen som ägde rum.

Han målade först Grace Jones kropp 1984. Han täckte henne i sina märken och symboler, och den processen och slutresultatet fotograferades av Andy Warhol och Robert Mapplethorpe. Fotografierna dök upp i Intervju tidskrift. Men Haring samarbetade med Grace Jones vid ett stort antal tillfällen, och en av dem var för en föreställning på Paradise Garage, liksom för hennes video till sin singel från 1986 'Jag är inte perfekt' . I det ser du Haring måla en kjol som hon bär. Den här bilden är bara en av Grace Jones som har målat hennes kropp av honom, men de arbetade tillsammans i ett antal år.

Haring var intresserad av att använda kroppen som en duk på ett sätt. Han gjorde också detta med Bill T. Jones, en koreograf, och han målade ett antal andra människor senare. Men han och Grace Jones blev vänner och det var väldigt mycket ett kreativt samarbete, det var inte bara Haring som målade henne, utan det var hon som införlivade det i hennes föreställningar.

CRACK IS WHACK (1986): HANS FUNGERAR ENDAST STÖRRE OCH STÖRRE

Spricka ärWhack (1986)© KeithHaring Foundation

vänster dödsorsak

Användningen av crack-kokain ökade enormt i amerikanska städer från början av 1980-talet, och det var något som påverkade East Village där Haring tillbringade mycket av sin tid. Så han skulle se det och han hade den bredare synen på vad som pågick vid den tiden på grund av hans personliga erfarenhet. 1984 var det hans studioassistent, Benny Soto, som blev beroende av sprickor. Han var ett riktigt intelligent barn som hade en riktigt ljus framtid, och att se effekterna av detta läkemedel på någon så nära honom skulle ha haft en enorm inverkan på Haring. Haring och andra människor i studion försökte verkligen hjälpa honom att återhämta sig, och han återhämtade sig till slut, men det skulle verkligen ha visat faran med drogen.

Det har alltid varit två typer av svar på hans offentliga arbete, och med tunnelbaneteckningarna också. Å ena sidan skulle folk vara väldigt intresserade och intresserade av att se honom göra jobbet och älskade verkligen hans bilder, men då arresterade myndigheterna honom eller fick honom att betala böter. För ”Crack is Whack” -målningen tror jag att han arresterades och fick betala böter. (Väggmålningen) målades över och sedan målade han om den.

Han arbetade ofta med människor från samhället och han arbetade med många barn; han skulle rita konturerna och barnen skulle hjälpa till att fylla i det - Tamar Hemmes

När han gjorde dessa verk i samhället arbetade han ofta med människor från samhället och han arbetade med många barn; han skulle rita konturerna och barnen skulle hjälpa till att fylla i den. Så han skapade mycket personliga kontakter och jag tror att han var ganska älskad i dessa samhällen.

(Så som han arbetade var) skulle han i princip ha en idé och bara börja rita. Med vissa väggmålningar, när han arbetade på en höjd och inte lätt kunde gå tillbaka, skulle han bara rita och på något sätt visste var han skulle sätta linjerna. Det är fantastiskt att han kunde skapa en så stor bild utan att behöva planera den i förväg.

Han gjorde många väggmålningar när han var utomlands och blev ofta inbjuden att göra väggmålningar. Men den här är mycket viktig för New York. En av dem finns fortfarande trots att den är täckt över.

SÄKER KÖN! (1987): HANS KONST HAR REDDT LIV, ÄNNER EFTER HANS EGNA KOM TILL EN SLUT

Säker sex! (1987). Affisch 798 x 743 mm. SamlingNoirmontartproduktion, Paris© KeithHaring Foundation

Haring diagnostiserades med Aids 1988, men han hade en medvetenhet om det mycket tidigare. Från början av 1980-talet och framåt hade han sett många människor runt omkring honom drabbade av det och jag tror att han visste att det var ganska stor risk att han själv skulle smittas. (I sina tidskrifter) 1987 skriver han att hans vänner ”tappar som flugor” och han vet att det måste vara gudomlig intervention som hållit honom vid liv så länge. Och sedan säger han något som: ”Jag vet inte om jag har fem månader eller fem år, men jag vet att mina dagar är räknade.” Han var definitivt väldigt medveten och han var medveten om att det var troligt att han skulle komma i kontrakt Hjälpmedel. Så många människor dör av sjukdomen vid den tidpunkten och det var en sådan brist på svar från regeringen att den bara spred sig så snabbt.

Han var uppenbarligen alltid mycket produktiv och skapade ett stort antal verk, men jag tror på ett sätt att drivkraften att skapa ökade ännu mer efter att han fick diagnosen. Han skapade en hel del verk relaterade till aidsepidemin. Affischen ”Safe Sex” var till exempel uppenbarligen ett så otroligt seriöst ämne, men han tar upp det genom att göra en ganska humoristisk affisch som gör det mycket lättare att prata om. Han skapade också arbete med slogan 'Silence Equals Death', som var en slogan som användes mycket av (Aids activist organisation) ACT UP när han gick med i deras protester och skapade flygblad för dem. Han var väldigt mycket inblandad i dem, vilket troligen kom ut ur att han fick diagnosen. 1989 grundade han Keith Haring Foundation . Dess mandat var inte bara att öka publiken för hans arbete, utan att tillhandahålla finansiering och bilder för aidsorganisationer och att stödja barns välgörenhetsorganisationer.

Jag tror på ett sätt att drivkraften att skapa ökade ännu mer efter att han fick diagnosen (med hjälp) - Tamar Hemmes

Eftersom det inte fanns någon ordentlig medicin vid den tiden visste han att hans liv inte skulle bli mycket långt. Och jag tror att han ville se till att saker var på plats och att han inte behövde oroa sig för någonting, så med grunden såg han verkligen till det, och

Han var väldigt generös, han gav alltid bort pengar, arbetade med välgörenhetsorganisationer och arbetade med barnsjukhus och skolor, och jag tror att det var något som var viktigt för honom, att han ville att det skulle fortsätta. Eftersom Reagan-administrationen var helt tyst om Aids-frågan så länge var röster som Harings ännu viktigare och han hade ett sätt att kommunicera med människor som bara var så direkta och otryckbara. Det är fantastiskt att han fortsatte att göra det (efter hans bortgång), han skulle definitivt ha nått många människor med det.

Keith Haring springer vid Tate Liverpool från 14 juni - 10 november

Huvudbildskredit: Keith Haring Drawing Series, januari 1982, fotograferad av Joseph Szkodzinski, © Joseph Szkodzinski 2018 www.thefoundimage.com